То, чего вы не знали о мировых шедеврах живописи
Сикстинская Мадонна, 1512—1513
Галерея старых мастеров, Дрезден
Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области.
Изобразительное мастерство художника обманывает наблюдателя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.
Поскольку имя св. Сикста происходит от латинского «шесть», Рафаэль изобразил его с шестью пальцами на правой руке. На картине также шесть фигур. Предполагают, что моделью для мадонны послужила возлюбленная Рафаэля —Форнарина.
Изобразительное мастерство художника обманывает наблюдателя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.
Поскольку имя св. Сикста происходит от латинского «шесть», Рафаэль изобразил его с шестью пальцами на правой руке. На картине также шесть фигур. Предполагают, что моделью для мадонны послужила возлюбленная Рафаэля —Форнарина.
Рафаэлевы ангелы — мотив многочисленных открыток и постеров. Два ангелочка, изображенные на картине, являются одним из самых тиражированных
изображений в мире.
изображений в мире.
Портрет княгини Зинаиды Николаевны Юсуповой.1902.
В. А. Серов.
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург.
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург.
Удивительные лицо и глаза,как очерк или символ красоты, и поза, исполненная живости, изящества и грации, - ослепительная светская дама. Но все же главное не шарм, а ясность и простота индивидуальности, что, как нарочно,скрывает необыкновенную красоту, знатность, баснословное богатство...
Известны слова Зинаиды Николаевны, как она говорила, очевидно, с ее очаровательной улыбкой: "Я худела, полнела, вновь худела, пока исполнялся Серовым мой портрет, а ему все мало, все пишет и пишет!" Известны и слова Серова из его письма к жене: "... славная княгиня, ее все хвалят очень, да и правда, в ней есть что-то тонкое, хорошее".
Крик
Эдвард Мунк. 1893.
Образ ужаса, запечатленный в картине Э. Мунка "Крик", служит одним из главных символов концептуального искусства.
Эдвард Мунк рано лишился матери. С тех пор смерть навсегда вошла в его сознание. Она внушила ему глубокий страх перед жизнью, от которого он так никогда и не избавился. Позже Мунк писал: "С момента моего рождения, ангелы тревоги, беспокойства и смерти были всегда рядом… Часто я просыпался ночью, оглядывал комнату и спрашивал себя: "Не в аду ли я?".
Став художником, Мунк все время был занят поиском природы скрытых сил, которые управляют его жизнью. Доведенный почти до умопомешательства, он видел галлюцинации, которые не оставляли его до конца жизни.
Одна из них посетила его на мосту через фьорд. Он описал ее так: "Я шел по дороге с двумя приятелями, вдруг солнце зашло и все небо стало кровавым, при этом я как будто почувствовал дыхание тоски. Я задержался, оперся на балюстраду моста смертельно усталый. Над черно-голубым фьордом и городом висели клубы кровавого пара. Мои приятели пошли дальше, а я остался с открытой раной в груди. Громкий, бесконечный крик пронзил окружающую природу".
Так появилось самое знаменитое произведение Мунка - "Крик". Вначале это был рисунок, позднее гравюра и, наконец, картина, написанная пастелью. Этот заход солнца над фьордом вызвал у художника длительное, болезненное беспокойство и отчаяние из-за того, что он был не в состоянии изобразить это явление, таким, каким оно перед ним предстало. В результате все-таки появился рисунок на котором мы видим человека без лица на мосту. Этот человек - сам художник. Драматизм сцене придавал напряженный контраст между фигурой на первом плане и чужими, занятыми самими собой людьми в отдалении...
Умер Эдвард Мунк 23 января 1944 года, сидя в кресле. Умирая, он выронил из рук книгу «Бесы» Достоевского.
(По материалам Анджея М. Кобоса )
В Осло находится музей Мунка, из которого 22 августа 2004 года двумя вооружёнными преступниками были похищены полотна "Крик" и "Мадонна". Норвежская полиция обнаружила и вернула картины в конце августа 2006 года.
Слепые
Питер Брейгель. 1568.
Национальная галерея, Неаполь
Произведения Питера Брейгеля вплоть до ХХ века были скрыты в недрах частных коллекций.Гениальный цикл картин "Времена года" еще при жизни автора был упрятан в ломбард. Другие вещи художника рассеялись по городам и весям Европы... Собранный по крупицам и представленный, наконец, во всем своем творческом могуществе Питер Брейгель Старший сразу убрал с пьедестала своих сыновей - художников Питера Брейгеля Младшего и Яна Брейгеля Бархатного, преуспевших в карьере и славе куда больше отца.
Перед смертью Брейгель велел молодой жене сжечь многие гравюры и рисунки. Что же побудило его на такой приговор? В чем было ему каяться, чего опасаться? Ответ очевиден: слишком едки и насмешливы подписи под его рисунками, да и сами эти гравюры и рисунки безмолвно кричали о многом таком, о чем тогда предпочитали помалкивать.
В жестокое время довелось жить художнику - в период господства в его Нидерландах испанских захватчиков. Даже евангельские сюжеты маскируют у Брейгеля сцены современных ему грабежей и разбоев. В его картинах угадываются зловещие силуэты виселиц и кострищ, ставших в те годы столь же неотъемлемой частью голландского пейзажа, как мирные мельницы и колокольни.
Считается, что сюжет картины "Слепые" основан на библейской притче о слепых: "Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму". На картине изображено шестеро слепых, которые цепочкой двигаются вперёд, держась друг за друга. Идущий первым слепой поводырь оступается и вместе с посохом падает в яму. Следующий за ним слепой падает на него. Третий, связанный со вторым посохом, тоже последует за своими предшественниками. Пятый и шестой ещё ни о чем не догадываются, но им неминуемо быть в яме следом за их спутниками...
Портрет возлюбленной великого художника Пабло Пикассо под названием "Дора Маар с кошкой" был продан в 2006 году на аукционе "Сотби" в Нью-Йорке за $95,2 млн.
Это вторая по величине сумма, когда-либо заплаченная на торгах за произведения искусства. Рекорд принадлежит еще одной картине Пикассо - "Мальчик с трубой".
На портрете изображена возлюбленная художника, а на заднем плане сидит небольшая кошка. Картина считается одной из наиболее удачных работ Пикассо. Так как полотно находилось в частной коллекции, возможности полюбоваться им не было в течение более чем 40 лет.
Пикассо написал свою многолетнюю музу и помощницу в 1941 году в оккупированном немцами Париже, когда их отношения уже дали основательную трещину. Позднее художник вспоминал, что в тот период Маар стала для него "персонификацией войны". На холсте бросаются в глаза ее острые, напоминающие коготки дикой кошки ногти.
С фотографом и художницей Дорой Маар Пикассо познакомился в 1935 году в одном из парижских кафе. Ей тогда было 28, ему - 53. Любовная история длилась 7 лет. Дора Маар была соавтором "Герники" - одного из самых известных полотен мастера. Пикассо написал множество ее портретов - графических и живописных, классических и кубистских, в шляпе, с зелеными ногтями и в образе химеры.
...Небольшого роста испанец - всего 158 сантиметров - обладал взрывным темпераментом, а главное, особым магнетизмом, которому женщины не могли сопротивляться. Любовь его, однако, была безжалостной и даже с садистским оттенком. Поэтому многие женщины Пикассо либо кончали с собой, либо сходили с ума. Для страстной Доры разрыв с Пикассо стал катастрофой. Не случайно она попала в парижскую психиатрическую лечебницу , где ее лечили электрошоками, а когда вышла оттуда, то абсолютно замкнулась в себе, став для многих символом женщины, жизнь которой разбита любовью к жестокому гению Пикассо.
Пережив на четверть века того, кто был безумной любовью ее жизни, Дора Маар скончалась в июле 1997 года в 90-летнем возрасте в одиночестве и в бедности.
Другие портреты Доры Маар, созданные П. Пикассо:
Грачи прилетели
Алексей Саврасов. 1871.
Государственная Третьяковская галерея. Москва
Государственная Третьяковская галерея. Москва
Со своей знаменитой картины "Грачи прилетели" художник Алексей Саврасов сделал бесчисленное множество копий. Это очень грустная история...
Впервые картина была показана в 1871 году на выставке передвижников. Позднее А. Саврасов многократно пробовал повторить свое пейзажное чудо, родившееся в трудный момент личной жизни - после смерти новорожденной дочери, во время болезни жены, - но безуспешно. Душевное проникновение в интимные тайны русского пейзажа требовало горячительного допинга. Болезнь глаз, депрессия, алкоголизм привели художника к разрыву с семьей и коллегами, увольнению из художественного училища, где среди его учеников были К. Коровин и И. Левитан.
В последние годы А. Саврасов ночевал где придется, пил круглосуточно и расписывал трактиры копией своего шедевра "Грачи прилетели" - за водку и обед. Знакомые из жалости давали ему несколько монет, иначе он пропил бы даже свою одежду. В конце концов на 67 году жизни художник умер от белой горячки в больнице для бедных.
И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества".
Вокруг картины А. Куинджи "Лунная ночь на Днепре" ходили самые невероятные слухи.
"Картина написана на стекле, - говорил один. - А сзади поставлена яркая лампа. Оттого так светится".
"И вовсе не на стекле, - возражал другой. - Просто Куинджи, когда работает, смотрит на природу сквозь цветное стекло."
"Да краской, краской написано, - объяснял третий. - Только не простой краской, а лунной. Есть такая "лунная краска". Я сам в газете читал."
Так в чем же секрет на самом деле? А секрет исключительно в мастерстве художника. Куинджи так страстно и настойчиво стремился добиться на холсте иллюзорного эффекта, заставить краски сверкать и цвет светиться, как светится и сверкает он на широком приднепровском просторе в тихую украинскую ночь под высокой луной, что его картина, столь удачно воплотившая замысел автора, не могла не поразить зрителей непревзойденным в мировом искусстве ощущением подлинности лунного освещения, иллюзией "всамделишного" излучения самого диска ночного светила.
Явление Христа народу
А. Иванов. 1837—1857
Государственная Третьяковская галерея,Москва
Созданию величественного полотна ”Явление Христа народу” художник Александр Иванов посвятил 20 лет своей жизни. В истории искусства это единственный случай, когда автор до такой степени проникся одной темой. Работая над картиной, Иванов сделал 258 эскизов. В этом произведении выражена тема нравственного преобразования человека. Художник показал людей, жаждущих свободы и ищущих правды.
Во время работы над полотном А. Иванов жил в Риме, где познакомился с Н. Гоголем, который согласился позировать ему для создания одного из образов. На картине похожий на Гоголя человек стоит ближе всех к Христу.
В картине присутствуют только мужчины, но самое интересное, что выразительные черты мужских лиц были списаны Ивановым с женских. Интуиция подсказала художнику, что лица итальянок сохранили больше евангельского, чем лица мужчин.
Вскоре после того, как главный труд жизни художника был окончен и картину доставили в Россию, А. Иванов внезапно скончался от холеры. Ему было 52 года.
Утро в сосновом лесу
И. Шишкин. 1889.
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картину "Утро в сосновом лесу" Иван Шишкин писал не один. Чудные мишки написаны другом Шишкина, известным художником-передвижником Константином Савицким. Но из этого не следует, что Шишкин не умел писать животных. Напротив, он был одним из немногих профессиональных анималистов. Обучаясь в Германии, он посещал мастерскую Коллера, очень внимательно относился к этому жанру, и мишки у него получались очень миленькие.
Существует версия, что сначала Шишкин написал картину "Туман в сосновом лесу", а Савицкий предложил включить в нее медведей. Он же свою идею, с согласия друга, и воплотил.
Раньше на картине стояло две подписи, но позже подпись Савицкого была стерта. Вероятно, это сделал сам Третьяков, который приобрел полотно для своей галереи.
Раньше на картине стояло две подписи, но позже подпись Савицкого была стерта. Вероятно, это сделал сам Третьяков, который приобрел полотно для своей галереи.
Последний день Помпеи
К. Брюллов. 1833.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Сюжет картины был навеян художнику посещением раскопок Помпеи. Помпея (вернее Помпеи - старинный римский город, расположенный у подножия Везувия) - 24 августа 79 года нашей эры в результате сильнейшего вулканического извержения был залит лавой и засыпан камнями и пеплом. Две тысячи жителей (которых всего было около 30 000) погибли на улицах города во время панического бегства.
Более полутора тысяч лет город оставался погребенным под землей и забытым. Лишь в конце XVI века при производстве земляных работ было случайно обнаружено место, где некогда находилось погибшее римское поселение. С 1748 года начались археологические раскопки, особенно оживившиеся в первых десятилетиях XIX века.
Пролежавший почти 17 столетий под пеплом, город прекрасно сохранился, он как бы застыл в своем расцвете. Когда под ударами заступа открылись картины гибели людей, страшные человеческие драмы - стал зримым ужасающий размах этой катастрофы и ее внезапность. Перед взором Брюллова точно ожило давнее событие. Потрясенный и взволнованный художник силой своего таланта и богатого воображения воссоздал его на огромном холсте.
...Черный мрак навис над землей, кровавое зарево пылало у горизонта, вздрагивала земля, рушились здания, тьму разрывала ужасная молния, освещая то, как в ослепленных страхом людях проявляется истинная ценность человеческих душ.
Корыстолюбец, умирая, думает о наживе, сыновья выносят на руках старика отца; юноша, забыв об угрозе, оплакивает смерть любимой; вера в милосердного Бога ставит на колени мать и дочь, не помышляющих о бегстве.
Среди испуганной толпы, замерев, стоит художник с этюдником на голове (в нем Брюллов изобразил себя), ловящий все оттенки трагедии. В лицах некоторых фигур узнаются черты современников, а в девушке с кувшином и в матери семейной группы - Юлии Самойловой, жены художника.
Все фигуры в картине поражают скульптурной объемностью и пластикой, кажется, их можно обойти кругом. Колорит резок, «краски горят и мечутся в глаза, дышат внутренней музыкой». В этой работе художник слил воедино тенденции классицизма, пылкость романтизма и черты новой, только зарождающейся школы реализма. И хотя падающие колонны парят в воздухе, пепел не испачкал ни одежд, ни лиц, не видно увечий и крови, впечатление от картины потрясает.
На картине "Последний день Помпеи" художник Карл Брюллов в одной из сцен изобразил себя.
Фрагменты картины:
Увидав картину, восхищенный Пушкин написал стихотворение:
Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.
Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.
Царь Иван Васильевич Грозный.
В. М. Васнецов. 1897.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
На своей картине художник В. М. Васнецов не случайно изобразил Ивана Грозного именно в тот момент, когда тот вот-вот ступит на двуглавого орла, вытканного на ковровой дорожке? В чем же была идея художника?
Если задержать взгляд на лице, мы увидим не только символ безраздельной власти, подобно жуткому ведению, перешагнувшему века и пришедшему в этот мир. Перед нами предстает человек, терзаемый множеством страстей, натура неистовая и противоречивая. Глядя на лицо васнецовского Грозного, вспоминается образ, созданный Ф. И, Шаляпиным в "Псковитянке". Сам Васнецов утверждал, что в психологическом углублении портрета царя ему помогло поразительное перевоплощение Шаляпина.
Виктор Михайлович Васнецов создал эту картину в 1897 году, через год после вступления на престол Николая II, последнего царя России. Создавая величественный портрет, художник как бы иносказательно выражает свои пожелания самодержцу, призывает анализировать поступки предшественника, идти путём не гонений и репрессий, а реформ и постепенных преобразований России. Царь Иван Васильевич ставил себя выше страны - не случайно на картине у него под ногами вытканное на дорожке изображение двуглавого орла, которое он топчет каждый день, ступая по лестнице. Не страна для правителя, а царь на службе у государства - в этом и заключается главная идея, которую автор хотел воплотить в своем историческом полотне.
Комментариев нет:
Отправить комментарий